martes, abril 21

Franko B. Testimonio, en carne propia

Franko B. , Testimonio en carne propia más la visión de Merleau Ponty.
He decidido iniciar y abordar este artista desde un punto filosófico el cual me parece que le brinda un sentido al elemento cuerpo y al testimonio, a todo lo que compone una perspectiva del trabajo sobre el cuerpo y el quéhacer artístico.

La teoría planteada por Merleau Ponty me pareció de gran trascendencia en cuanto al mundo del Arte y la apreciación artística brindando así diversas posibilidades ante un mundo cambiante del Arte. Es decir el paso entre lo figurativo y lo abstracto. Me parece conveniente para iniciar este análisis en la obra de Merleau mencionar la importancia del ser y su alrededor y la nueva visión que entrega al espectador basando su obra de interpretación en el espíritu, el medio y la obra como tal. No olvidemos su posición existencialista en el mundo de las teorías, lo cual nos ayudará ante las constantes teorías que se plantean a lo largo de su obra.

Para comprender la teoría que avanza a lo largo de la obra de Merleau Ponty, he decidido hacer mención de algunas obras artísticas que recrean en mi mente estas teorías encontrando una sincera forma de comprensión y análisis de ello. Ya que basarse en un solo autor sería limitarse en muchos aspectos ya que a mi parecer es una teoría que podría explicarse y recrearnos a la vista con algunas piezas importantes dentro de la Historia del Arte.

Hacia el comienzo del libro se hace una desconexión entre el mundo sensible y el mundo de la ciencia. Dándole su debida relevancia a la ciencia, pero a su vez brindándole al pintor una gran responsabilidad en el mundo, pero a su vez una libertad como libre espectado, sin ninguna idea de en cuanto al nivel de apreciación. Pero a su vez una gran libertad ante la postura de observar el mundo de tal forma natural y sencilla, donde no debe más que observar el paisaje y lo demás sin tratar de encontrarle algún sentido que encasille sus sensibilidades, sino darle un nivel más allá del mundo, ya que todo se basa en un solo cuerpo, el mío como lo llama Ponty, este cuerpo con el que es necesario se despierten los cuerpos asociados, que son los otros. Lo cual le brinda la posibilidad al ser de situarse más allá, en un ser actual, lo cual tiene una repercusión donde la ciencia aprenderá a posarse en las cosas mismas y en sí mismo, llegará a ser filosofía1.

Más adelante se habla de la importancia del pintor, y aquello que hace que se envuelva con la obra, aquello que lo mueve y lo conecta con el medio y consigo mismo, el espíritu. Es cuando se presenta ante el mundo cuando el mundo se presenta así mismo en una relación constante de vinculación donde el medio, el pintor y la esencia están hechos de la misma materia.


El punto de convergencia entre toda esta misma materia es la visión. La visión como estado no operante mental sino como contacto, relación y movimiento en retribución entre el espectador y lo observado, la relevancia radica en que por medio del sentido es como el pintor logra relacionarse con su medio, consigo mismo.

A lo cual le brinda a la obra cierta calidad como materia misma que el pintor. A lo cual me remite a la idea de la observación de la obra como el pintor mismo, idea que proviene desde el Oriente, específicamente a Japón donde se cree que las obras no se debían firmar, ni poner explícitamente algo del autor, ni la firma misma; ya que la obra misma habla del autor, es el y contenido en ella.

Más adelante se habla de la importancia del pintor, y aquello que hace que se envuelva con la obra, aquello que lo mueve y lo conecta con el medio y consigo mismo, el espíritu. Es cuando se presenta ante el mundo cuando el mundo se presenta así mismo en una relación constante de vinculación donde el medio, el pintor y la esencia están hechos de la misma materia.


El punto de convergencia entre toda esta misma materia es la visión. La visión como estado no operante mental sino como contacto, relación y movimiento en retribución entre el espectador y lo observado, la relevancia radica en que por medio del sentido es como el pintor logra relacionarse con su medio, consigo mismo.

A lo cual le brinda a la obra cierta calidad como materia misma que el pintor. A lo cual me remite a la idea de la observación de la obra como el pintor mismo, idea que proviene desde el Oriente, específicamente a Japón donde se cree que las obras no se debían firmar, ni poner explícitamente algo del autor, ni la firma misma; ya que la obra misma habla del autor, es el y contenido en ella.
La relación entre el pintor y la obra radica en este círculo de conexión que radica en ejemplificar la vida a través del mapa de lo visible. Es decir se ve y se hace lo que se piensa en cuanto el mundo está presente y se representa de igual forma, constante en cuanto como pintor se piensa que como me veo en el mundo, el mundo me ve por que lo veo.

En el mirar se encuentra la visión como un acto del pensamiento, donde se relaciona el espíritu donde la visión tiene la importancia de la representación del mundo. El mundo como extensión de uno mismo. En el mirar se encuentra la visión como un acto del pensamiento, donde se relaciona el espíritu donde la visión tiene la importancia de la representación del mundo. El mundo como extensión de uno mismo.

« Mirar no es originalmente un acto de conciencia, sino la apertura de nuestra carne inmediatamente llenada por la carne universal del mundo»


Ahí interviene el modo en cómo miramos. Pues nada está fijo bajo nuestra mirada, nuestra mirada no fija nada, no retiene algo más que por muy poco tiempo; nuestra mirada no mira más que barriendo el espacio, sin detenerse en nada, o no por mucho tiempo. Una mirada fija no mira nada.

Existe un artista francés llamado FranKo B. su obra está vinculada con la relación del mundo y el mismo, ve al mundo como extensión de si mismo.
En esta pieza, observamos distintos elementos cotidianos, pintados, o de un color blanco. Notamos una cantidad de manchas a lo largo de la composición.

¿Cómo se relacionan con la postura antes planteada del mundo y el artista como hechos por la misma materia/tela, creados en uno mismo?
La pregunta se responde de la siguiente manera, con las piezas aquí vistas. Franko B. Sugiere que estas cosas son suyas, son a partir que ahora ya están hechos de una misma materia comparten algo más que un simple espacio en común, así es, el esparció por las piezas blancas su propia sangre, se relaciona con el mundo, son ya parte de si mismo.
Este artista vincula toda su obra con su vida, su obra es parte de el, son unos mismo, pertenecieron del mismo origen.


El artista plantea que su obra busca eso mismo, vincularse con el medio, hacerlo propio, Ponty le diría que ya por si solo ya esta dentro del mundo ya comparten una misma materia que lo mantiene vivo; Su sangre que corrió y corre por su cuerpo.

Ponty le respondería a Franko que está de acuerdo con él, y le diría la siguiente frase:
“Mi cuerpo está en el número de las cosas es una de ellas, pertenece al tejido del mundo y su cohesión es la de una cosa. Pero, puesto que se ve y se mueve, tiene las cosas en círculo alrededor de sí, ellas son un anexo o una prolongación de él mismo, están incrustadas en su carne, forman parte de su definición plena y el mundo está hecho con la misma tela del cuerpo.”


En esta instalación y recurriendo a Ponty es el medio del reflejo de su entrono lo que se ve envuelto en su obra. La distorsión en cuanto el entorno de uno u otro artista enmarcan una perspectiva totalmente distinta y coherente. En esta pieza Franko B. Habla y relaciona los campos de visión, entorno y significado, ya que en ella también está implícito su elemento esencial, la sangre, su sangre.



Como Autor Franko B. pretende hacer una llamada social ante las situaciones de salud, la crítica social ante la problemática internacional de encontrarse con cada vez más discriminación en cuanto a los enfermos, y la calidad moral de aquellos que sufren de dicha o tal enfermedad. Así como también enmarca la violencia actual que sufren los hogares en la mayoría de los países capitales, me parece importante recalcar esto ya que desde su niñez Franko B. Estuvo envuelto en ese ambiente que le brindó una visión distinta del mundo.

Al principio me parecía trasgresor su proceder dentro de la obra de Arte pero después de leer y entender su ideología manifiesta dentro de su página de Internet escrito por el propio Franko B. uno comprende la problemática a la que se enfoca y busca ser punto reflexivo ante esto.


Me parece que si hablamos de esencia y existencia dentro de un autor se debe considerar a Franco B como un buen ejemplo de esta relación así como para la teoría de Merleau Ponty habla de su relación entre el mundo y el ser, el pintor , la visión y el testimonio como un mismo punto de convergencia entre ambos sistemas. Este es un buen ejemplo de ello.


Bibliografía:
Merleau Ponty, El Ojo y el Espíritu.
Dempsey Amy, Art in the Modern Era,2002 United Kingdom
http://www.franko-b.com/


Barbara Kruger, el feminismo y lo ligado a lo ético







Barbara Kruger
Sin título (You are not yourself)
1982
Fotografía en blanco y negro
183 x 122

Esta pieza de principios de los años ochenta muestra la discriminación que existía hacia las mujeres, entre las propias mujeres y la sociedad que las percibía como un simple objeto ornamentado. Esta imagen descompone el rostro de una mujer, lo muestra cortado y desfasado, como si este fuera el reflejo visto de la mujer a través de un espejo; espejo que ella misma sostiene. Un reflejo ya roto, astillado y fragmentado, sólo dejando ver pedazos de esta mujer, su rostro. Este rostro que nos muestra y se muestra a si misma. Un rostro con la leyenda: You are not yourself, tú no eres tú misma. Kruger a sabiendas de este ejercicio de percepción de las estructuras publicitarias, comprendió y aplicó para su arte el modo de producir imágenes que tuvieran una carga de crítica al sistema publicitario y hacia las exigencias hacia la mujer. Barbara Kruger, trabajó con la idea de mensajes pasivos y activos, frases que dotaran de significado múltiples a las imágenes que observamos, dejando estas mismas a la libre interpretación, la misma que se ve variada dado los pronombres utilizados en ellas, a la vez que envuelve, también excluye y deja que uno mismo termine de generar el discurso.


En lo particular pienso en la cantidad de anuncios publicitarios que hasta la fecha recibimos, los mensajes son claros y directos sobre uno mismo, sobre el aspecto físico, en cuanto como verse o sentirse mejor. Mensajes emitidos por fuentes de poder anónimas, que manejan las mentes, salen al mercado y en una sociedad consumista como la de estas últimas dos décadas este tipo de acciones cada vez se vuelven más sutiles y directas.


Pienso que la obra de Kruger señala todo este tipo de códigos dados para entender de manera directa los procesos que se dan y los que no se dan dentro de esta concepción de lo imaginario y de los ideales estéticos perfectos. Pienso que aborda el tema del alejamiento y pérdida de la identidad. La cual debería de ser única, y sin embargo en algunos casos las estructuras consumistas no permiten del todo que así sea, nos modifica de forma directa o indirecta, pero trabaja en la imagen, una imagen que se proyecta y retomando a Kruger , muchas veces esa imagen ya no es uno mismo, porque el reflejo ya se ha distorsionado y trabaja directamente sobre uno y hacia uno.



He aquí otros ejemplos sobre la obra de Kruger, quien si bien se basa en confrontarnos con los sucesos de actualidad también se liga con el quéhacer político y con los medios masivos, hace crítica a la sociedad, la descompone y resalta sus momentos más débiles.
Es una obra que se detiene al momento social y político, son diversas variaciones que se versifican y se detienen a fijarse en el contraste de la crítica enviando mensajes directos y fuertes sobre lo que acontece dentro de una sociedad con elementos que se convierten y convergen en un mundo dividido por las políticas geográficas y por un elemento más, la cercanía de los medios masivos.









Pop Art y el reflejo en lo masivo

Las Vanguardias y el Siglo XX

El arte, es el reflejo del estado de ánimo de la sociedad, eso ha dado pie a las distintas expresiones artísticas, corrientes, tendencias, estilos y múltiples artistas.
En el siglo XX las tendencias fueron evolucionando, hablan de una realidad no tan lejana, aún late y aún lo comprendemos, vivimos parte de ella, y sabemos de los hechos, nosotros, vivimos las consecuencias de lo que nuestros padres, y abuelos hicieron. Pensemos en que este siglo XX nos corresponde, la historia de quien nos rodea y su desarrollo a lo largo del tiempo, este siglo XX que vino y quiso por si sólo hacer expreso sus ideales, un siglo XX lleno de guerras, medios masivos de comunicación, grandes imperios. Un siglo XX que se vuelve directo y habla sobre lo que le sucede, se expresa y a la par de la tecnología se le une o se le rechaza todo a la vez, de un movimiento a otro se modifica se muta, se fusiona y modifica.

Con la aparición de las vanguardias, los manifiestos políticos de los artistas se volvieron mucho más fuertes y presentaban al mundo a su mundo, sus múltiples inquietudes, se quejaban o proponían soluciones. Se criticaban y generan un discurso secuencial entre un movimiento tras otro. Periodos de corto tiempo, de muchas ideas, ideas que se apoyaban o se abortaban. Una actualidad extrañamente renovada, la tecnología cada vez más desplaza al hombre, busca su funcionalidad, pero en vez de ayudarnos como dice Albert Einstein, nos está destruyendo a nosotros mismos. Un siglo XX que desayuna frente al televisor, ve noticias de guerra, cuerpos y batallas sangrientas y su ser, ya no sensibilizado.

En el siglo XX, se toma conciencia, las vanguardias lo hacen, retratan cada momento, actúan en este caso al modo: causa y efecto, busca integrar la voz de miles, los pensamientos y esa escapatoria del mundo real, que si bien se destruye entre si mismo. El arte, la huella de esas voces, el arte como registro de una conciencia relativa; de la necesidad de reflejarse ahí, el arte como imagen y semejanza de las ideas y mentes.

En los años sesenta, época de revueltas sociales, un estado pleno de búsqueda de identidad, la autoconciencia en su punto más sensible, en la mayor parte de los países capitalistas, y los sometidos por los otros, buscaban y se desapegaban de los ideales de los adultos. Estudios, postulados presentaban la perfecta utopía, utopía que parecía ser alcanzable, podía ser accesible, sólo bastaba luchar por ella, sólo bastaba que realmente se cumpliera, y por eso la gente se unía en pro de un beneficio comunal, un bien para todos, aunque eso implicara con la ruptura con los padres, una vieja educación, Eso no se logró, a los jóvenes alterados se les pudo “controlar”, las guerras ya habían terminado, los movimientos estudiantiles se quedaron en el silencio, un silencio suspendido en puntos suspensivos, en busca en que alguien continué la lucha e intente de una vez por todas lograr el fin de un bienestar común.


En esta nueva sociedad, y casi de manera instantánea nacieron los elementos superficiales de la sociedad en los que ya no se adentraba en los múltiples estados de ánimo, los medios masivos de comunicación se dieron a la tarea de generar emociones, iconos, símbolos que nos hicieran olvidarnos de los problemas, nos presentaban un mundo feliz al cual pudiéramos sentirnos identificados y deseosos de pertenecer, y claro esto no sería desarrollado sino de las grandes potencias que intentaban callar y apaciguar al mundo, crear un mundo pacifista, una de estas grandes potencias productoras de basura televisiva eran los Estados Unidos de Norte América.


EL “POP ART”

A este nuevo modo de vida, el arte no se quedo callado y surge el POP ART como huella de la superficialidad de esta nueva sociedad, hace énfasis en los slogans de los comerciales, les da respuesta y le dicen al mundo que abra los ojos. Que lo único que se quiere es la enajenación de la sociedad, seguir un ídolo, seguir un patrón de vida que te quita tu individualidad, y te convierte en alguien más que consume y come de la mano de estos países capitalistas, que ofrecen productos y nos generan necesidad de ellos, El POP ART aparece como una necesidad en hacer un énfasis y análisis de nuestras sociedades consumistas, nos demuestra quien es el que manda y que si vamos a Europa podremos reconocer los iconos y símbolos de este mundo capitalista, que si bebemos un refresco y vemos los colores rojo, blanco y la bebida es negra, aunque esté escrito en Ruso, sabremos que es una coca cola y nos que esta nos satisface, hemos comprado el producto, nos han generado una cultura consumista y visual, tan visual que hemos empezado a dejar de ver a detalle, nuestra vida ya no se detiene, ahora no podemos separar la historia que escribimos, de los iconos con los que estamos creciendo, nuestra cultura ya está inmersa de los iconos visuales, nos enajenan las imágenes, y eso mismo se les está transmitiendo a las nuevas generaciones.



Pero al fin de cuenta lo que están haciendo estos medios masivos es despojarnos de identidad y crear un nuevo ser, quizás las próximas generaciones puedan despojarse de ello, pero cuando estudien y lean nuestra historia, y si los que la escriben lo hacen de un modo objetivo podrán entender un poco más el estilo de vida que llevamos, que inicio como consecuencia del mundo superficial bajo el cual se escondían los verdaderos problemas de las sociedades de finales del siglo XX.
Algunos de los representantes del Pop Art son :
James Rosenquist
james rosenquist
Andy Warhol
Andy Warhol
Roy Lichtstenstein
Roy Lichtenstein

George Groszv , mirada distorcionada de una sociedad bien armada

The good thing is that you cannot and probably should not understand dada
Richard Huelsenbeck, Memoirs of a DADA DRUMMER, 1974


Georg Groszv (1893-1959)


Este es un artista que se encuentra en los linderos del extremo del siglo XX. Su vida así como la de Otto Dix, también se ve afectada por la presencia de la 1ª Guerra Mundial, a diferencia de él, Groszv sí estuvo en el frente de guerra; al estar dentro de ese ambiente él quedó traumatizado y retirado del ejercito.

Las obras de Grosv son una mirada distorcionada sobre una sociedad bien armada , como lo era la sociedad Alemana. El paso del tiempo y de la guerra dejaron muchas huellas en la sociedad, se convirtieron en grandes efectos los cuales se puedieron sentir en el modo en que la vida cotidiana se llevaba a cabo, nuevas costumbres llegaron, las calles se transformaron y nos trajeron aquellas figuras y nuevos personajes quien transformaran el paisaje urbano y quienes dieran vida a la vida nocturna que ahí se empezaba a vivir.
[URL=http://w54.photobucket.com/albums/g108/gabee05/?action=view&current=def88cc5.pbw][IMG]http://s54.photobucket.com/albums/g108/gabee05/th_georg_grosz_photo-1.jpg[/IMG][/URL]

miércoles, marzo 4

Manifiesto, ejercicio en clase...









Estas imagenes forman parte del Manifiesto que hicimos como ejercicio en clase, mi afán de ponerlos es presentarles a todos el resultado del trabajo, si bien esta entrada quizás tenga otra fecha a la indicada como la límite de entrega del mismo no pretendo que se considere que mi blog está incompleto en cuanto he ya subido los post que se han encomendado y este queda en calidad de compartir.


Ahora la parte del video que he tomado del mismo:




lunes, marzo 2

Luis Felipe Ortega, arte de verdad o sólo un buen "cover"




Martes 17 de Febrero, el día de hoy tuvo lugar la charla comentada del artista Luis Felipe Ortega en la Universidad del Claustro de Sor Juana, quien mostró gran parte de su obra y con ello también vinieron los procesos de realización.

Comenzó mostrando series de fotografías y videos sobre algunos trabajos suyos que había hecho que trataban y variaban en los temas, algunos eran videos, que iban desde el alimentarlo a él con cuidado hasta el transitar de las calles más importantes de Nueva York y del Zócalo de la ciudad de México, así mismo presentó fotografías sobre proyectos suyos, de los cuales resultaba interesante el ejercicio visual pero al momento en que eran comentados denotaba el interés del artista por la conexión con la literatura.


Al avanzar la charla del artista, este nos llevó por las piezas que ha hecho y que le resultaba importante mostrar. Y en medio de la charla comentó la siguiente frase que al menos me sorprendió mucho y que hizo cuestionarme distintos aspectos de la creación artística el cual se desprende en este comentario que estoy por hacer :


Cuando estaba interesandome el arte contemporáneo que estaba sucediendo en el mundo y que aun no llegaba a México es que me decidí por hacer una versión de esas piezas, algo así como un cover de esas grandes piezas.



LFO.

Cuando el artista comentó esta frase todo tornó otro sentido, la veracidad de las piezas y el significado se convirtieron en un protocolo de justificación vacío, y mi pregunta se fue hacia el ¿por qué de repetir piezas de otros artistas en México? En México se cuentan con buenas propuestas originales y si bien la necesidad recaía en la recreación o el acercar dicha información hacia los compatriotas, ¿no es mejor buscar videos o alguna enciclopedia que lo pueda mostrar?



Un cover me suena a lo que sucedió en la música en la década de los 50 's y 60's cuando en Estados Unidos de América estaba en pleno apogeo artistas del rock and roll como lo era Elvis Presley y puesto que aquí no se le conocía, ni a él ni a ninguna de sus pegajosas canciones, el cantante mexicano que si bien de menos gracia como lo es Alberto Vazquez se dedicó a traducir las canciones del Inglés al Español y hacerlas famosas por su pegajosa y poco entendible sentido de las letras. Tristemente cuando en México nos enetrabamos del "Rey del Rock and Roll" se llegó a pensar que este había robado las canciones del compatriota mexicano, lo cual era completamente al revés. Y este es sólo un ejemplo de miles que han sucedido.



Pero pensemos, ¿ es válido tomar la obra de un artista que ya ha sido expuesta y rehacerla ? No es mejor en ese caso tomar de referencia una obra y modificarla y adaptarla a las necesidades creativas que se tengan. La referencia de las obras artísticas no es del todo malo, al contrario algo que valida la inspiración e indica que se usa de base para algo más es decir significa un proceso creativo que funcionó como base para la generación de una nueva pieza. Que no es lo mismo que hacer un triste cover.




De este modo y tras una desilusión creativa el resto de las obras de Luis Felipe Ortega me parecieron irrelevantes, la posibilidad que tienen todos los artistas de expresar y marcar una diferencia entre su arte y su sociedad se rompió. Creo que existe una ligera línea en donde en mi respecto el arte puede o no respetarse, y esa línea en este caso fue el de rehacer piezas ya hechas, el de presentar largos videos de una temática poco atractiva y que hace pensar que el creador tuvo aspiraciones de ser cineasta y nunca lo pudo llevar a cabo.

Este ejemplo de artista me parece uno bastante bueno para detonar los cuestionamientos sobre lo que se hace en respecto al arte y a la creación artística y sobre todo a las propuestas, ¿ qué se puede pensar de un artista que en vez de proponer nuevas líneas de creación se enfrasca en el rehacer una pieza artística? Y cuando propone y muestra piezas no son lo suficiente sólidas como para que el público logre una conexión con ellas, si los videos de los pies caminando nos transmite algo más allá de el transitar no deja ese momento en el público de reflexión que motive a la reflexión personal.



Alfredo Jaar , el arte como voz de la evidencia


Alfredo Jaar, Questions Questions (2008)

Esta obra fue presentada en las calles de Italia y lo que buscan es el cuestionarse sobre el arte y sobre el qué hacer de la cultura.
Las obras de Jaar se han caracterizado por dar una visión del mundo que se enfoque en el estar y en el hacer como punto de reflexión entre lo que sucede en el arte y la estrecha relación con la cultura. es importante observar el modo en que las piezas y las obras de Jaar buscan por medio de medios diversos la difusión y el activismo sobre lo que ha sucedido con la cultura.
En esta pieza esto es evidente, se demuestra que los medios masivos muchas veces propagan productos, ideas y pensamientos, y justamente es así como el artista ha decidido hacer eco en el público, utilizar estos mismos medios con el fin de cuestionar lo que está pasando con el mundo y la cultura.
Sus obras son políticas puesto que estan enfocadas al utilizar y cuestionar los medios, a reflexionar sobre los problemas actuales, a situarnos a una distancia prudente entre el mundo mediático y lo que se vuelve implícito dentro de los mensajes que se manejan.
Se convierten en piezas que dialogan con el mundo que llaman la puerta del recuerdo de la esencia de enunciar aquello delicado e importante sin realmente hacerlo, sin decir nada más.
Esta pieza me gustó dado el modo en que se juegan con las palabras, con las preguntas y nos hace voltear la mirada hacia los círculos elitistas de la cultura y el arte, nos dice una pregunta y la reflexión directa entre en cada uno de los espectadores.
Además el pensar en el modo de plantearlo y colocarlo se vuelve un agente independiente, una pieza con una vida independiente y que por si sola se basa y se fundamenta en una sociedad cuya cultura se vuelve milenaria y casi un punto anclar entre el texto y la reflexión.




Otto Dix: causa y efecto la guerra como voz de expresión (Texto Curatorial)

La guerra como efecto ha generado dentro de todos los seres humanos un punto de partida del cual se ve reflejado en su hacer una actitud distinta ante la vida. En este hacer, está el arte, el arte como voz de aquello que sucedió, este texto intenta hablar no sólo de la guerra como tal, como el hecho; sino como la repercusión dentro del pensamiento de cada uno de aquellos que fueron alterados y afectados por la gerra.



Por que por afectados no tan sólo se entiende a aquellos que combatieron en ella, sino todo el resto de la población que al momento de la guerra tuvieron que trasladarse y salir de su hogar, son todas aquellas voces que reclaman un eco en la historia, en el modo de ver el mundo y sus acontecimientos.



Esto mismo genera tendencias, modos ejecutados, realizando y generando un arte que deja expreso los temores, el odio, la desesperación y desolación de la capacidad humana que tiene el límite en la vida del otro.


Es así como esta muestra no intenta demostrar otra cosa sino esas voces de quienes se han visto afectados, de quienes alzan la voz y dejan entrever ese mundo que los envuelve, ese mundo, donde la guerra fue un factor de primordial énfasis en un modo de vida.


Esta exposición tiene como objetivo el hacer una revisión en la obra de Otto Dix, representante de una época envuelta con la Ia Guerra Mundial, en la cual el propio artista participó, dejando en él una serie de obras que modificaran su modo de ser y de hacer.


El artista presenta formas y momentos capturados en la esencia de la guerra, en el suspiro del abandono y en el grito de angustía en el frente de guerra. La guerra es un elemento de notable inquietud que penetra en el cuerpo por los ojos, se respira por la nariz y se prueba con el sabor de la sangre y sudor y la boca.








Una primera parte voz esencial de lo vivido
1914-1918 Dix es uno de los pocos artistas alemanes que pudo experimentar la primera guerra mundial en las líneas del frente de guerra apartir de 1915 de diciembre a 1918 como algo natural; mientras esto hace que se formule su mismo-concepto: " el artista es uno quién tiene el valor de decir el Sí" [diario de la guerra, 1915/16].
Además de casi 500 dibujos, los índices de su trabajo indican apenas cinco pinturas así como 86 acuarelas del gouche. Usando el lápiz, el carbón de leña y la tinta en las hojas del taleguilla-tamaño del papel de embalaje.
Dix experimenta sucesivamente con las posibilidades expresivas del modernismo, de la exploración realista de objetos a la distorsión de la expresion de formas y a la deconstruction de objetos de forma Cubofuturista, a una visión apocalíptica abstracta. El foco del espectro temático es menos la vida cotidiana del soldado, pero algo la guerra se muestra con una extraña estética de los escombros, los cráteres y las fosas.

Así esta exposición quiere ver lo que se ha hecho en el momento y lo que queda por ver dentro de las secuelas de la guerra, pensemos en quien ha visto toda esta parte, quien de todas formas se convierte en un elemento primordial de voz y que su obra se ve modificada a partir de ella, de como la guerra se vuelve en lago más que ver y hacer, en como estos elemento no imaginarios nos invaden y nos pueden llegar hasta el punto de sensibilizarse con ellos, de pensar en como la sicedad se modifica a partir de una 0bra.
Esta exposición se presentará al público dejando una huella de la evidencia del tiempo y del espacio en que la conjugación de cada uno de estos sentidos se vea intervenido y cmabiado por la expriencia de alguien que ha sufrido la guerra como una causa y un efecto y que lo ha utilizado como voz de expresión.

segunda interpretación.... (lo visto)


El mundo se enteró




Así como España, el mundo se enteró de lo que estaba pasando en otro lado del planeta, el petróleo la nueva manzana de la discordia.


Si bien fue algo que nos conmocionó por la noticia y la bervedad con la que nos enterabamos de los sucesos, fue además una prueba que nos mostraba el destino no tan sólo de paises en conflicto, sino nos mostraba a los personajes que después se convertirían en ejes centrales de los conflictos bélicos en medio oriente: Saddam Husein y George Bush.